ANINAT GALERÍA

Santiago de Chile | Chile
Directoras| Isabel Aninat y Javiera García - Huidobro

Aninat Galería es una galería de arte contemporáneo chilena, fundada por Isabel Aninat, licenciada en Filosofía y Estética. En 1982, en el contexto de la dictadura de Pinochet, creó un espacio que pretende generar una plataforma de debate, comercialización y reflexión crítica en torno al arte contemporáneo y los nuevos medios en Santiago de Chile.

www.aninatgaleria.org

VISION CURATORIAL

Para ESTE ARTE 2026, en su 12ª edición, Aninat Galería presenta el proyecto de Germán Tagle “Paisajes de persistencia”, una nueva serie de pinturas creadas especialmente para ESTE ARTE y para el público uruguayo.
Estas obras combinan atmósferas abstractas con imágenes fragmentadas de árboles y plantas realizadas mediante esténciles —un recurso urbano e irónico— para subrayar la persistencia de la naturaleza frente a la domesticación humana.
Sensaciones cromáticas y siluetas orgánicas emergen y se disuelven entre densas capas de pintura, generando entornos que oscilan entre el camuflaje, la ficción y la invención.
La serie no busca moralizar, sino reconocer la tensión entre la energía natural inagotable y las huellas de la presencia humana. En estos paisajes híbridos y cambiantes, el tiempo es cíclico y el mundo natural perdura más allá de todo control, representado con ternura y fuerza.

BIO

Germán Tagle (chileno, 1976) estudió Arquitectura en la Universidad Finis Terrae, en Santiago, antes de iniciar su carrera artística a comienzos de los años 2000. En 2003 viajó por Nueva York y Argentina, estableciéndose en Nueva York entre 2005 y 2010, donde expuso regularmente.
Sus muestras individuales New Empire (2009) y Eternal Return (2010) en Elga Wimmer PCC fueron hitos en su trayectoria, y su participación en la bienal The (S) Files (2007) de El Museo del Barrio marcó un temprano reconocimiento a su obra.
Desde su regreso a Chile en 2010, Tagle ha profundizado en sus investigaciones materiales, aplicando capas de pintura acrílica sobre lienzos, páginas de libros y telas, creando superficies densas y transformadoras. Su imaginario suele surgir de los patrones toile que lo inspiraron inicialmente, reinterpretados en abstracciones gestuales y paisajes híbridos que interrogan la historia, la memoria y lo sublime.
Ha expuesto ampliamente en América Latina, Estados Unidos y Europa, en plataformas como Untitled Miami, ZONAMACO, ArtBO y Estampa. Sus obras forman parte de colecciones como El Museo del Barrio (Nueva York) y la Colección Engel (Chile). Entre sus exposiciones individuales recientes destacan Futuro Esplendor (2021) en Aninat Galería, seguida de su segunda presentación con la galería en 2024.

BIO

Catalina Swinburn (1979, Santiago de Chile). Trabaja y vive entre Buenos Aires, Argentina y Londres, Reino Unido. Su trabajo se traduce en mensajes clave y preocupaciones universales como la sostenibilidad, la identidad, la igualdad de género y la globalización, subrayando las conexiones del Sur Global a lo largo de la historia. Utiliza el tejido y documentos vintage como un lenguaje vital y dinámico para generar conciencia tanto de manera física como conceptual, con el objetivo de fortalecer la integración entre varias comunidades, haciendo referencia a la resiliencia femenina. Busca rescatar rituales ancestrales relacionados con lugares sagrados, geografía ancestral y memoria original. 

Catalina Swinburn explora temas como sostenibilidad, identidad y globalización, enfocándose en las conexiones del Sur Global. Mediante el tejido y documentos antiguos, rescata rituales ancestrales y la resiliencia femenina. Sus obras, activadas como metáforas de resistencia, abren un diálogo entre tradición e innovación, haciendo del arte un puente entre la historia y el presente, y un vehículo de conciencia cultural y social.

CURATORIAL

Regenerar estas narrativas articula para la artista tanto un sentido de urgencia como un modo de resistencia. Por lo tanto, la obra de arte es activada por la posición de la artista como tanto fabricadora como performadora de la escultura. Esto puede verse como una metáfora de la resistencia, donde las narrativas tejidas se presentan como un sustituto del silencio de las mujeres a lo largo de la historia. 

Los textiles son expresiones elocuentes de las preocupaciones de las mujeres sobre la tradición cultural y la transmutación, y se reconocen como fundamentales para los estudios de género, identidad social, estatus, intercambio y modernización. El tejido tiende a demarcar una suspensión de la existencia ordinaria y está entre los signos más visibles del espacio sagrado y los roles sagrados.

Al usar el tejido como metáfora de la resistencia, su práctica nos acerca a nuestra identidad cultural y ofrece una visión alternativa de la función del arte como un vehículo de conciencia al reunir varias formas de conocimiento; abriendo un diálogo entre el conservadurismo y la innovación, entre la continuidad y la transmutación.